La musique italienne ...

Maestro !...

L'Italie a joué un rôle fondamental dans l'histoire de la musique. A différentes époques, elle a été à l'avant-garde de genres, techniques, utilisations de nouveaux instruments…

La musique italienne est riche d'un passé tout à la gloire de la musique classique dont on trouvera la racine tout autant dans l'héritage grégorien de l'Église que dans le riche folklore musical méditerranéen qui a trouvé en Italie un sanctuaire. Le chant (sacré, profane ou populaire) et plus particulièrement la polyphonie semblent marquer ce territoire aux idiomes contrastés. L'importante organologie témoigne aussi de l'importance du développement de la musique à danser dans les campagnes.

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La musique de la Rome Antique

Au Moyen-âge la musique était essentiellement religieuse. Le chant grégorien, chant sacré homophone, habituellement interprété par un chœur ou par un soliste appelé “chantre ”, doit son nom à Saint Gregorio, le pape Grégoire 1er.

La musique de la Rome antique était fortement influencée par la musique étrusque et grecque. Plus tard durant l'Empire, la musique romaine fut aussi influencée par la musique de la Gaule, d'Afrique du Nord et d'Asie Mineure.

Les Romains appréciaient vraiment la musique et la musique était utilisée dans une foule d'occasions, y compris dans des spectacles de divertissement tels que des combats de gladiateurs, des événements publics, des parades militaires, ou des événements religieux tels que les mariages, les sacrifices et les funérailles.

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La musique Classique

L'Italie fut, dès le Moyen Âge, le berceau de la musique classique avec Guido d'Arezzo (la notation musicale) et Pétrarque (les canzonieri des troubadours), qui chacun à leur manière participèrent à son développement.

Le madrigal du Trecento et les estampies donnent une idée de l'évolution de la musique profane.

Aujourd'hui encore, nombre de termes ou de formes usités en musique classique viennent de l'italien et nous en connaissons tous plus ou moins quelques uns :  a cappella, adagio, aria, airioso, cantate, coda, concerto, oratorio, partita, recitativo, scherzo, sonata, taccata, etc.

On ne peut évoquer cette musique sans citer les luthiers majeurs qu'étaient Andrea AmatiNiccolò Amati et Antonio Stradivari qui ont donné leurs lettres de noblesse aux instruments à cordes ou le facteur de clavecins Bartolomeo Cristofori auquel on doit l'invention du piano-forte.

Plus récemment l'Italie a aussi été le foyer de grands chefs d'orchestres tels Arturo ToscaniniRiccardo ChaillyCarlo Maria Giulini, Giuseppe SinopoliRiccardo Muti et Claudio Abbado.

La musique de la Renaissance

La Renaissance italienne va voir se développer la polyphonie sacrée (Miserere), le frottole et le madrigal profane.

C'est une grande période de mise en musique de la poésie profane et, comme pour faire écho aux bouleversements, aux destins qui apparaissent distincts et incertains (la roue de la Fortune est un des grands symboles de ces temps), c'est l'âge d'or de la polyphonie, la mise en commun de voix individuelles, le brouhaha de la vie.

C'est un retournement complet des principes du plain-chant, où toutes les voix assemblées ne doivent en faire qu'une.

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La musique Baroque

La musique baroque concerne une période d’environ 150 ans, de 1600 à 1750.

Elle suit la période de la Renaissance et  précède la période dite classique qui sera représentée en particulier par Haydn, Mozart et Beethoven.

 

Voici comment Jean-Jacques Rousseau définissait la musique baroque dans son dictionnaire de musique en 1768 :

 « Une musique baroque est celle dont l'harmonie est confuse, chargée de modulations et dissonances, le chant dur et peu naturel, l'intonation difficile, et le mouvement contraint. Il y a bien de l'apparence que ce terme vient du baroco des logiciens. »

 

 

Pas très encourageant, mais ce terme a depuis perdu son sens péjoratif, et s’applique maintenant à toute la musique de cette période (y compris à celle de Jean-Jacques Rousseau).

Les musiciens baroques étaient considérés comme des artisans de la musique, plutôt que comme des artistes libres, créant et « fabriquant» de la musique pour leurs commanditaires : Eglise, rois ou maitres.  Bach, par exemple, par sa fonction de maitre de chapelle, devait écrire une cantate pour chaque dimanche de l’église de Leipzig.

La musique Romantique

Le romantisme est un mouvement culturel apparu à la fin du XVIIIe siècle en Allemagne et en Angleterre et se diffusant à toute l’Europe au cours du XIXe siècle, jusqu’aux années 1850. Il s’exprime dans la littérature, la peinture, la sculpture, la musique, la politique et la danse et se caractérise par une volonté de l'artiste d'explorer toutes les possibilités de l'art afin d'exprimer ses états d'âme.

 

Le romantisme en Italie connaîtra son heure de gloire essentiellement avec l'opéra. La musique symphonique se développe en dehors de la péninsule où elle est peu représentée : Muzio Clementi, Luigi Cherubini, Niccolò Paganini.

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La musique d'Opéra

L'Italie est la patrie de l'opéra : au XIIIe siècle, cent cinquante villes d'Italie possédaient au moins un théâtre d'opéra.

Rome et Venise disposaient de huit salles, Naples et Florence venaient ensuite avec quatre et trois salles.

À la fin du XVIe siècle, à Florence, des intellectuels, des artistes, des musiciens fréquentant les salons du comte Bardi donnèrent naissance au genre. Ils pensaient revenir aux sources et à la pureté de la tragédie grecque antique.

L'origine de l'Opéra est donc liée à une nouveauté esthétique, la mélodie accompagnée, une voix singulière accompagnée par des accords. La flamboyance excessive de la polyphonie a peut-être provoqué une envie de simplification de la texture sonore, mais encore plus qu'une transformation de l'esthétique musicale, il faudrait envisager l'idée d'un déplacement de la scène musicale vers les cours des riches marchands et banquier devenus la nouvelle aristocratie, portant leurs propres exigences de mise en représentation.

Cette passion pour la voix conduit à l'avènement des castrats (Farinelli) et au culte du bel canto au travers de divas telle Renata Tebaldi (soprano) ou Cecilia Bartoli (mezzo-soprano) ou de ténors tels Enrico Caruso ou Luciano Pavarotti.

La musique de Ballet

Bien que moins connu, ce style fut aussi l'apanage de la créativité italienne en ses débuts (à la Renaissance), à Milan notamment. L'un des premiers ballets de Cour créés en France en 1581 fut composé par Balthazar de Beaujoyeulx (en fait "Baltazarini di Belgioioso"). D'autres chorégraphes-compositeurs suivront.

Le ballet est un genre dramatique dont l'action est figurée par des pantomimes et des danses.

Au XVIIe siècle, le développement important qu'a connu le ballet à la cour de Louis XIV explique l'origine française de la plupart des termes de vocabulaire de la danse.

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La musique Traditionnelle

Le musique traditionnelle italienne reste encore très vive parmi la population, quelque soit l’âge. Il suffit pour s’en convaincre d’assister à la Nuit de la Tarentelle dans le Salento. Mais, partout en Italie, des artistes ou des groupes continuent d’adapter les musiques traditionnelles et ainsi, de leur permettre de plaire et de vivre.

La musique traditionnelle italienne est évidemment liée ici aux nombreux régionalismes qui font de l'Italie une mosaïque de folklores et de dialectes distincts.

On y retrouve des polyphonies, des monodies, des ballatas, des scampanadas, des chiasso, etc.

Il existe aussi depuis fort longtemps diverses communautés immigrées (albanaise, grecque, balkanique, nord-africaine, etc.) qui ont conservé leurs traditions ici et qui ont influencé la musique traditionnelle en apportant par exemple des voix très hautes, voire nasales, usant d'ornementation quasi orientale.

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Instrumental Terra Incognita - Zucchero
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